Del veselja do slikarstva v 21. stoletju je široka paleta razpoložljivih izraznih oblik. Konec 19. in 20. stoletja so umetniki naredili velik skok v slikarskih slogih. Na številne novosti je vplival tehnološki napredek, na primer izum cevi za kovinske barve in razvoj fotografija, pa tudi spremembe v družbenih konvencijah, politiki in filozofiji ter svetovnih dogodkih.
Ta seznam opisuje sedem glavnih stilov umetnosti (včasih jih imenujemo "šole" ali "gibanja"), nekatere precej bolj realistične kot druge. Čeprav ne boste del prvotnega gibanja - skupina izvajalcev, ki je na splošno delila isto slikarski slog in ideje v določenem času v zgodovini - še vedno lahko slikate v sloge, ki so jih uporabljali. Če spoznate te sloge in vidite, kaj so ustvarili umetniki, ki delajo v njih, in nato sami eksperimentirate z različnimi pristopi, lahko začnete razvijati in negovati lasten slog.
Realističnost, v kateri tema slike izgleda bolj kot prava stvar, ne pa kot stilizirana ali abstrahirana, je slog, ki si ga mnogi mislijo kot "prave umetnosti". Šele ko se pregledajo od blizu, se zdi, da so trdne barve videti kot vrsta čopičev številnih barv in vrednote.
Realizem je že od nekdaj prevladujoč slog slikanja Renesansa. Umetnik uporablja perspektivo, da ustvari iluzijo prostora in globine, tako da sestavi kompozicijo in osvetlitev tako, da se predmet zdi resničen. Leonarda da Vincijevega "Mona Lisa"je klasičen primer sloga.
Kot slikar se je pojavil slog Painterly Industrijska revolucija preplavila Evropo v prvi polovici 19. stoletja. Osvobojeni z izumom cevi za kovinsko barvo, ki je umetnikom omogočila, da stopijo zunaj ateljeja, so se slikarji začeli osredotočati na samo slikanje. Predmeti so bili realno upodobljeni, vendar se slikarji niso potrudili skriti tehničnega dela.
Kot že ime pove, je poudarek na dejanju slikanja: karakterju čopiča in samih pigmentov. Umetniki, ki delajo v tem slogu, ne poskušajo skriti, kaj so uporabili za ustvarjanje slike, tako da zgladijo teksturo ali oznake, ki jih v barvi pušča čopič ali drugo orodje, kot je nož za paleto. Slike slik Henri Matisse so odlični primeri tega sloga.
Impresionizem se je pojavil v osemdesetih letih prejšnjega stoletja v Evropi, kjer so umetniki, kot je Claude Monet, poskušali ujeti svetlobo, ne skozi podrobnosti realizma, ampak z gesto in iluzijo. Ni vam treba preveč približati Monetovih vodnih lilij ali sončnic Vincenta Van Gogha, da bi videli krepke barvne poteze, vendar ni dvoma, kaj gledate.
Predmeti ohranijo svoj realističen videz, vendar imajo živahnost, ki je značilna za ta slog. Težko je verjeti, da je, ko so impresionisti prvič pokazali svoja dela, večina kritikov to sovražila in zasmehovala. Tisti, ki je takrat veljal za nedokončan in grob stil slikanja, je zdaj ljubljen in cenjen.
Ekspresionizem in Favvizem so podobni slogi, ki so se začeli pojavljati v studiih in galerijah na prehodu v 20. stoletje. Za oba je značilna uporaba drznih, nerealnih barv, ki niso izbrane tako, da bi upodabljale življenje takšno, kot je, temveč, kot se umetniku zdi ali zdi.
Oba sloga se na nek način razlikujeta. Ekspresionisti, vključno z Edvardom Munchom, so želeli prenesti grotesko in grozoto v vsakdanjem življenju, pogosto s hiper-stiliziranimi čopiči in grozljivimi podobami, kakršne je imel pri svojem velikem učinku slika "Krik."
Fauvisti so si kljub romanski uporabi barve prizadevali ustvariti skladbe, ki bi upodabljale življenje v idealizirani ali eksotični naravi. Pomislite na vstale plesalce Henrija Matissa ali pastoralne prizore Georgea Braqueja.
Ko so se prva desetletja 20. stoletja odvijala v Evropi in Ameriki, je slikarstvo postajalo manj realistično. Abstrakcija pomeni slikanje bistva teme, kot ga umetnik razlaga, ne pa vidnih podrobnosti. Slikar lahko predmet zmanjša na svoje prevladujoče barve, oblike ali vzorce kot Pablo Picasso naredil s svojo znamenito fresko treh glasbenikov. Nastopajoči, z vsemi ostrimi črtami in koti, ne izgledajo niti najmanj resnično, vendar ni dvoma, kdo so.
Ali pa umetnik lahko predmet odstrani iz njegovega konteksta ali poveča njegov obseg, kot je to storila Georgia O'Keeffe. Njeno cvetje in školjke, odvzete iz drobnih podrobnosti in plavajo v abstraktnih ozadjih, lahko spominjajo na sanjske pokrajine.
Čisto abstraktno delo, tako kot velik del abstraktnega ekspresionističnega gibanja petdesetih let, se aktivno izogiba realizmu in se opira v objem subjektivnega. Predmet ali točka slike so uporabljene barve teksture v umetniškem delu in materialih, ki so ga uporabili za njegovo ustvarjanje.
Kapljeve slike Jacksona Pollocka lahko nekaterim izgledajo kot velikanska zmešnjava, vendar tega ne moremo zanikati da so freske, kot je "Številka 1 (Lavender Mist)", dinamične, kinetične kakovosti, ki drži vaše obresti. Drugi abstraktni umetniki, na primer Mark Rothko, so sami poenostavili svoj predmet z barvami. Dela barvnega polja, kot so njegova mojstrska dela "Oranžno, rdeče in rumeno" iz leta 1961: so trije bloki pigmenta, v katerih se lahko izgubite.
Fotorealizem se je razvil v poznih šestdesetih in sedemdesetih letih prejšnjega stoletja kot reakcija na abstraktni ekspresionizem, ki je v umetnosti dominiral od 40-ih. Ta slog se pogosto zdi bolj resničen kot resničnost, kjer nobena podrobnost ni izpuščena in nobena napaka ni nepomembna.
Nekateri umetniki kopirajo fotografije, tako da jih projicirajo na platno, da natančno zajamejo natančne podrobnosti. Drugi to delajo prostoročno ali uporabljajo mrežni sistem za povečanje tiska ali fotografije. Eden najbolj znanih fotorealističnih slikarjev je Chuck Close, katerega poslikave glave umetnikov in znanih osebnosti temeljijo na posnetkih.