54 Znane slike znanih umetnikov

To, da si v življenju znan umetnik, še ne zagotavlja, da se te bodo drugi umetniki spomnili. Ste že slišali za francoskega slikarja Ernesta Meissonierja?

Bil je sodobnik Edouarda Maneta in daleč uspešnejšega umetnika na področju kritike in prodaje. Velja tudi obratno, z Vincentom van Goghom. Van Gogh se je zanašal na svojega brata Thea, da mu je priskrbel barvo in platno, a danes njegove slike dosegajo rekordne cene, kadar koli pridejo na umetniško dražbo, in je njegovo ime.

Pogled na znamenite slike iz preteklosti in sedanjosti vas lahko nauči marsičesa, vključno s sestavljanjem in ravnanjem z barvo. Čeprav je verjetno najpomembnejša lekcija ta, da bi morali na koncu slikati zase, ne za trg ali zanamce.

"Nočna straža" - Rembrandt

Slika "Nočna straža" avtor Rembrandt je v Rijksmuseum v Amsterdamu. Kot kaže fotografija, gre za ogromno sliko: 363x437cm (143x172 "). Rembrandt končal leta 1642. Njegov resnični naslov je "Podjetje Fransa Banninga Cocqa in Willema van Ruytenburcha", vendar je bolj znan kot

Sestava slike je bila v tem obdobju zelo različna. Namesto, da bi figure prikazoval na urejen in urejen način, kjer so na platnu vsi imeli enak pomen in prostor, jih je Rembrandt naslikal kot zasedeno skupino v akciji.

Okoli leta 1715 je bil na "Nočno stražo" naslikan ščit z imeni 18 ljudi, vendar so bila le nekatera imena kdaj identificirana. (Torej, ne pozabite, če slikate skupinski portret: na hrbtni strani narišite diagram, v katerem bodo imena vseh, ki bodo tako v prihodnosti generacije bodo vedele!) Marca 2009 je nizozemski zgodovinar Bas Dudok van Heel končno razkril skrivnost, kdo je kdo v slika. Njegova raziskava je našla celo predmete oblačil in dodatkov, ki so upodobljeni v "Nočni straži", omenjeni v zapisih družinska posestva, ki jih je nato sestavil s starostjo raznih miličnikov leta 1642, leta, ko je bila slika dokončana.

Dudok van Heel je tudi odkril, da je bilo v dvorani, kjer je bila prvič obešena Rembrandtova "Nočna straža", šest skupin portreti milice, prvotno prikazani v neprekinjeni seriji, ne šest ločenih slik, kot je bilo že dolgo razmišljal. Šest skupinskih portretov Rembrandta, Pickenoya, Bakkerja, Van der Helsta, Van Sandartata in Flincka je ustvarilo neprekinjen friz, ki se je ujemal z drugim in pritrjen v leseno oblogo sobe. Ali pa je bil to namen. Rembrandtova "Nočna straža" se ne ujema z ostalimi slikami niti v kompoziciji niti v barvi. Zdi se, da se Rembrandt ni držal pogojev svoje provizije. Potem pa, če bi ga imel, ne bi nikoli imeli tega presenetljivo drugačnega skupinskega portreta iz 17. stoletja.

"Hare" - Albrecht Dürer

Uradni naslov te slike, ki se običajno imenuje Dürerjev zajec, ga imenuje zajec. Slika je v stalni zbirki Zbirka Batliner od Muzej Albertina na Dunaju v Avstriji.

Naslikal je z akvarelom in gvašem, z belimi poudarki, narejenimi v gvašu (in ne z nepobarvano belo barvo papirja).

To je spektakularen primer, kako je mogoče krzno naslikati. Če ga želite posnemati, je pristop, ki ga izberete, odvisen od tega, koliko potrpljenja imate. Če imate oodle, boste barvali s tanko krtačo, po eno dlako. V nasprotnem primeru uporabite tehniko suhe krtače ali dlake razdelite na krtačo. Potrpežljivost in vzdržljivost sta bistvenega pomena. Prehitro nanesite na mokro barvo in posamezne poteze tvegajo mešanje. Ne nadaljujte dovolj dolgo in krzno se vam bo zdelo suho.

Stropna freska iz Sikstinske kapele - Michelangelo

Michelangelova slika stropa Sikstinske kapele je ena najslavnejših fresk na svetu.

Sikstinska kapela je velika kapela v apostolski palači, uradni rezidenci papeža (vodje katoliške cerkve) v Vatikanu. V njem je poslikanih veliko fresk nekaterih največjih imen renesanse, vključno s stenskimi freskami Berninija in Raphaela, najbolj znana pa je po freskah na stropu Michelangela.

Michelangelo se je rodil 6. marca 1475 in umrl 18. februarja 1564. Michelangelo je po naročilu papeža Julija IIstrop Sikstinske kapele od maja 1508 do oktobra 1512 (med septembrom 1510 in avgustom 1511 se ni delalo). Kapela je bila slovesno odprta 1. novembra 1512, na praznik vseh svetih.

Kapela je dolga 40,23 metra, široka 13,40 metra, strop pa je na najvišji točki 20,70 metra nad tlemi¹. Michelangelo je naslikal vrsto biblijskih prizorov, prerokov in Kristusovih prednikov, pa tudi trompe l'oeil ali značilnosti arhitekture. Glavno področje stropa prikazuje zgodbe iz zgodb iz 1. Mojzesove knjige, vključno z ustvarjanjem človeštva, padcem človeka iz milosti, poplavo in Noetom.

Strop Sikstinske kapele: podrobnost

Pano, ki prikazuje ustvarjanje človeka, je verjetno najbolj znana scena na znameniti freski Michelangela na stropu Sikstinske kapele.

V Sikstinski kapeli v Vatikanu je naslikanih veliko fresk, najbolj znana pa je po freskah na stropu, ki jih je napisal Michelangelo. Obsežno restavriranje so med letoma 1980 in 1994 izvedli vatikanski umetniški strokovnjaki, odstranjevanje stoletja dima iz sveč in prejšnja obnovitvena dela. To je razkrilo barve, ki so veliko svetlejše, kot so mislili prej.

Pigmenti, ki jih je uporabil Michelangelo, so vključevali oker za rdeče in rumene, železove silikate za zelenice, lapis lazuli za modre in oglje za črno.¹ Ni vse naslikano tako podrobno, kot se najprej pojavi. Na primer, figure v ospredju so naslikane podrobneje kot tiste v ozadju, kar povečuje občutek globine v stropu.

Več o Sikstinski kapeli:

• Vatikanski muzeji: Sikstinska kapela
• Navidezni ogled Sikstinske kapele

Viri:
1 Vatikanski muzeji: Sikstinska kapela, spletno mesto države Vatikan, dostopno 9. septembra 2010.

Beležnica Leonardo da Vinci

Renesančni umetnik Leonardo da Vinci ni znan samo po svojih slikah, temveč tudi po zvezkih. Ta fotografija prikazuje enega v muzeju V&A v Londonu.

Muzej V&A v Londonu ima v svoji zbirki pet zvezkov Leonarda da Vincija. Ta, znan kot Codex Forster III, je Leonardo da Vinci uporabljal med letoma 1490 in 1493, ko je delal v Milanu za vojvodo Ludovico Sforzo.

To je majhen zvezek, takšne velikosti, ki bi ga lahko brez težav shranili v žep plašča. Napolnjena je z najrazličnejšimi idejami, opombami in skicami, vključno s "skicami konjskih nog, risbami konjskih nog kape in oblačila, ki so morda bile ideje za kostume na balih, in opis anatomije človeka glavo. "¹ Medtem ko v muzeju ne morete obračati strani zvezka, lahko po njem listate po spletu.

Branje njegove pisave ni enostavno, med kaligrafskim slogom in uporabo zrcalnega pisanja (nazaj, od desne proti levi), toda nekaterim je fascinantno videti, kako postavlja vse vrste v eno zvezek. To je delujoč zvezek, ne izložba. Če vas je kdaj skrbelo, da bo vaš revija za ustvarjalnost ni bil nekako pravilno izveden ali organiziran, prevzemite vodstvo tega mojstra: naredite to, kar potrebujete.

<sub>Vir:
1. Raziščite Forster Codices, muzej V&A. (Dostopno 8. avgusta 2010.)</sub>

"Mona Lisa" - Leonardo da Vinci

Leonardo da VinciSlika "Mona Lisa" v pariškem Louvru je verjetno najbolj znana slika na svetu. Verjetno je tudi najbolj znan primer sfumato, slikarska tehnika, ki je delno odgovorna za njen zagonetni nasmeh.

Veliko se je ugibalo o tem, kdo je bila ženska na sliki. To naj bi bil portret Lise Gherardini, žene florentinskega trgovca s tkaninami, imenovanega Francesco del Giocondo. (To je med prvimi predlagal umetniški pisatelj iz 16. stoletja Vasari v svojem "Življenju umetnikov"). Prav tako se domneva, da je bil razlog za njen nasmeh ta, da je noseča.

Umetnostni zgodovinarji vedo Leonardo je leta 1503 začel z "Mona Lizo", saj jo je tistega leta zapisal visoki firentinski uradnik Agostino Vespucci. Ko je končal, je manj gotovo. Louvre je prvotno datiral sliko v obdobje 1503-06, vendar odkritja leta 2012 kažejo, da je bila morda približno toliko kot desetletje kasneje, preden je bil končan na podlagi ozadja, ki temelji na risbi kamnin, za katere je znano, da jih je naredil 1510-15.¹ Louvre je marca 2012 datum zamenjal na 1503–19.

Vir:
1. Mona Lisa bi lahko bila dokončana desetletje pozneje, kot je v časopisu The Art Magazine napisal Martin Bailey, 7. marca 2012 (dostop 10. marca 2012)

Znani slikarji: Monet pri Givernyju

Referenčne fotografije za slikanje: Monetov "Vrt v Givernyju."

Del razloga, da je impresionistični slikar Claude Monet tako znan, so njegove slike odsevov v ribnikih z lilijami, ki jih je ustvaril na svojem velikem vrtu v Givernyju. Navdihoval je dolga leta, vse do konca njegovega življenja. Skiciral je ideje za slike, ki so jih navdihovali ribniki, majhne in velike slike pa je ustvaril tako kot posamezna dela kot serije.

Podpis Clauda Moneta

Ta primer, kako se je Monet podpisoval pod svoje slike, je iz ene od njegovih slik z vodnimi lilijami. Vidite, da ga je podpisal z imenom in priimkom (Claude Monet) in letnico (1904). Je v spodnjem desnem kotu, dovolj daleč, da ga okvir ne bi odrezal.

Monetovo polno ime je bilo Claude Oscar Monet.

"Impression Sunrise" - Monet

Ta Monetova slika je dala ime impresionistični slog umetnosti. Razstavil ga je leta 1874 v Parizu na tako imenovani prvi impresionistični razstavi.

V svojem pregledu razstave, ki jo je naslovil "Razstava impresionistov", je umetniški kritik Louis Leroy dejal:

"Ozadje je v embrionalnem stanju bolj dodelano kot morska pokrajina."

<sub>Vir:
1. "L'Exposition des Impressionnistes" Louisa Leroya, Le Charivari, 25. aprila 1874, Pariz. Prevedel John Rewald v Zgodovina impresionizma, Moma, 1946, p256-61; citirano v Salonu do bienala: Razstave, ki so ustvarile umetnostno zgodovino, Bruce Altshuler, Phaidon, str42-43.</sub>

Serija "kozolci" - Monet

Monet je pogosto naslikal vrsto istih predmetov, da bi zajel spreminjajoče se učinke svetlobe in zamenjal platna, ko je dan odmikal.

Monet je znova in znova naslikal številne predmete, vendar je vsaka od njegovih serijskih slik drugačna, pa naj gre za sliko vodne lilije ali kozolca. Ker so Monetove slike razpršene po zbirkah po vsem svetu, so njegove serijske slike ponavadi le na posebnih razstavah videti kot skupina. Na srečo Art Institute v Chicagu ima v svoji zbirki več Monetovih slik kozolcev, saj so impresivne ogled skupaj:

• Snop pšenice
• Odtajanje, sončni zahod
• Sončni zahod, učinek snega
• Snežni učinek, oblačen dan
• Konec poletja

Oktobra 1890 je Monet pisal pismo umetnostnemu kritiku Gustavu Geffroyu o senih kozolcev, ki jih je slikal, in rekel:

"Težko delam, trmasto delam na vrsti različnih učinkov, toda v tem letnem času sonce zahaja tako hitro, da mu ni mogoče slediti... dlje ko pridem, bolj vidim, da je treba opraviti veliko dela, da lahko to, kar iščem, postane: "trenutnost", predvsem "ovojnica", enaka svetloba se razširi po vsem... Vse bolj sem obseden s potrebo, da si predstavim, kar sem doživel, in molim, da bi mi ostalo še nekaj dobrih let, ker mislim, da bi lahko v tej smeri nekoliko napredoval... " ¹

<sup>Vir: ​
1. Monet sam, str. 172, uredil Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989.</sup>

"Vodne lilije" - Claude Monet

Claude Monet, "Vodni liliji", c. 19140-17, olje na platnu. Velikost 65 3/8 x 56 palcev (166,1 x 142,2 cm). V zbirki Muzeji likovne umetnosti v San Franciscu.

Monet je morda najbolj znan med impresionisti, zlasti zaradi svojih slik odsevov v ribniku z lilijami na njegovem vrtu v Givernyju. Na tej sliki je majhen košček oblaka v zgornjem desnem kotu in lisasti modri nebo, ki se odraža v vodi.

Če preučite fotografije Monetovega vrta, na primer tega Monetovega ribnika z lilijami in tega cvetja lilije, ter jih primerjate s to sliko, boste dobili občutek, kako je Monet v svoji umetnosti zmanjšal podrobnosti, vključno samo z bistvom prizora ali vtisom odseva, vode in lilije cvet. Kliknite povezavo "Prikaži v polni velikosti" pod zgornjo fotografijo za večjo različico, v kateri boste lažje dobili občutek za Monetovo krtačo.

Francoski pesnik Paul Claudel je dejal:

"Zahvaljujoč vodi je [Monet] slikal tisto, česar ne moremo videti. Nagovarja tisto nevidno duhovno površino, ki ločuje svetlobo od odseva. Zračno modro v ujetništvu tekoče modro... Barva se dviguje z dna vode v oblakih, v vrtincih. "

^Vir:
Page 262 Umetnost našega stoletja, Jean-Louis Ferrier in Yann Le Pichon

Podpis Camille Pissarro

Slikar Camille Pissarro je ponavadi manj znan kot mnogi njegovi sodobniki (na primer Monet), vendar ima na umetniškem časovnem traku edinstveno mesto. Deloval je kot impresionist in neoimpresionist ter vplival na danes znane umetnike, kot so Cézanne, Van Gogh in Gauguin. Bil je edini umetnik, ki je razstavljal vseh osem Impresionistične razstave v Parizu od 1874 do 1886.

Van Goghov avtoportret (1886/1887)

To portret avtor Vincent van Gogh je v zbirki Art Institute of Chicago. Naslikan je bil v podobnem slogu kot pointilizem, vendar se ne drži le pik.

V dveh letih, ko je živel v Parizu, od 1886 do 1888, je Van Gogh naslikal 24 avtoportretov. Umetniški inštitut v Chicagu je to opisal kot Seuratovo "pikčasto tehniko", ki ni znanstvena metoda, temveč "intenzivno čustveni jezik, v katerem so rdeče in zelene pike moteče in popolnoma v skladu z živčno napetostjo, ki je očitna v Van Goghovem pogled. "

Van Gogh je v pismu nekaj let kasneje svoji sestri Wilhelmini zapisal:

"V zadnjem času sem naslikal dve svoji sliki, od katerih ima ena precej pravi značaj, mislim, čeprav bi se na Nizozemskem verjetno posmehovali idejam o portretnem slikanju, ki kalijo tukaj... Vedno mislim, da so fotografije gnusne in jih ne maram imeti v bližini, še posebej ne tistih, ki jih poznam in ljubim... fotografski portreti venejo veliko prej kot mi sami, naslikani portret pa je stvar, ki jo čutimo, delamo z ljubeznijo ali spoštovanjem do upodobljenega človeka. "

Vir:
Pismo Wilhelmini van Gogh, 19. septembra 1889

Podpis Vincenta van Gogha

Nočna kavarna avtorja Van Gogha je zdaj v zbirki Umetniške galerije Univerze Yale. Znano je, da je Van Gogh podpisal le tiste slike, s katerimi je bil še posebej zadovoljen, toda nenavadno pri tej sliki je, da je pod svoj podpis dodal naslov "Le café de Nuit".
Obvestilo: Van Gogh je pod svoje slike podpisal preprosto "Vincent", ne "Vincent van Gogh" ali "Van Gogh".

V pismu svojemu bratu Theu, napisanem 24. marca 1888, je dejal:

"V prihodnosti bi moralo biti moje ime vpisano v katalog, ko ga podpišem na platnu, in sicer Vincent in ne Van Gogh, iz preprostega razloga, ker tu zadnjega imena ne znajo izgovoriti."

"Tukaj" je Arles na jugu Francije.
Če ste se spraševali, kako izgovarjate Van Gogha, ne pozabite, da je to nizozemski priimek, ne francoščina ali angleščina. Torej se izgovarja "Gogh", zato se rima s škotskim "loch". Ni "goff" in "go".

Zvezdna noč - Vincent van Gogh

Ta slika, ki je verjetno najbolj znana slika Vincenta van Gogha, je v zbirki na Muzej moderne umetnosti v New Yorku.
Van Gogh je slikal Zvezdna noč junija 1889, ko je omenil jutranjo zvezdo v pismu svojemu bratu Theu, napisanem okoli 2. junija 1889: "Danes zjutraj sem sem videl državo z mojega okna že dolgo pred sončnim vzhodom, razen z jutranjo zvezdo, ki je bila videti zelo velika. "Jutranja zvezda (pravzaprav planet Venera, ne zvezda) na splošno velja za velikega belega, naslikanega levo od sredine slike.
Prejšnja pisma Van Gogha omenjajo tudi zvezde in nočno nebo ter njegovo željo, da bi jih naslikal:

1. "Kdaj se bom kdaj lotil zvezdnega neba, tiste slike, ki mi je vedno v mislih?" (Pismo Emilu Bernardu, približno 18. junija 1888)
2. "Kar zadeva zvezdnato nebo, zelo upam, da ga bom naslikal, in morda ga bom kdaj privoščil" (Pismo Theu van Goghu, približno 26. septembra 1888).
3. "Trenutno si močno želim naslikati zvezdnato nebo. Pogosto se mi zdi, da je noč še vedno bolj bogato obarvana kot dan; imajo odtenke najintenzivnejših vijolic, modrih in zelenih. Če boste le pozorni na to, boste videli, da so nekatere zvezde limono rumene, druge rožnate ali zelene, modre in pozabljive. očitno je, da dajanje belih pik na modro-črno ni dovolj za risanje zvezdnega neba. "(Pismo Wilhelmini van Gogh, 16. septembra 1888)

Restavracija de la Sirene, v Asnieres - Vincent van Gogh

Ta slika Vincenta van Gogha je v zbirki muzeja Ashmolean v Oxfordu v Veliki Britaniji. Van Gogh jo je naslikal kmalu po prihodu v Pariz leta 1887, da bi živel s svojim bratom Theom na Montmartru, kjer je Theo vodil umetniško galerijo.
Vincent je bil prvič izpostavljen slikam impresionistov (zlasti Moneta) in je spoznal umetnike, kot so Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard in Pissarro. V primerjavi s prejšnjim delom, v katerem so prevladovali temni zemeljski odtenki, značilni za severnoevropske slikarje, kot je Rembrandt, ta slika prikazuje vpliv teh umetnikov nanj.
Barve, ki jih je uporabljal, so postale svetlejše in svetlejše, njegovo ščetkanje pa je postalo bolj ohlapno in očitno. Oglejte si te podrobnosti s slike in videli boste, kako je uporabil majhne poteze čiste barve, ločene. Ne meša barv na platnu, ampak dovoljuje, da se to zgodi v očeh gledalca. Preizkuša zdrobljena barva pristop impresionistov.
V primerjavi s kasnejšimi slikami so barvni trakovi razmaknjeni, med njimi pa se kaže nevtralno ozadje. Še vedno ne prekriva celotnega platna z nasičeno barvo niti izkorišča možnosti uporabe čopičev za ustvarjanje teksture v sami barvi.

Restavracija de la Sirene, v Asnieres, avtor Vincent van Gogh (Podrobnost)

Te podrobnosti iz Van Goghove slike Restavracija de la Sirene v Asnieresu (v zbirki muzeja Ashmolean) kažejo, kako je eksperimentiral s svojimi ščetkami in žigi, potem ko je bil izpostavljen slikam impresionistov in drugih sodobnih Parižanov umetniki.

"Štirje plesalci" - Edgar Degas

Edgar Degas, Štirje plesalci, c. 1899. Olje na platnu. Velikost 59,1 x 71 palcev (151,1 x 180,2 cm). V Narodna galerija umetnosti, Washington.

"Portret umetnikove matere" - Whistler

To je verjetno najbolj znana Whistlerjeva slika. Njegov celoten naslov je "Aranžma v sivi in ​​črni barvi št. 1, Portret umetnikove matere". Njegova mama se je strinjala, da bo slikala za sliko, ko je manekenka Whistler zbolela. Sprva jo je prosil, naj pozira stoje, a kot vidite, je popustil in jo pustil, da je sedla.
Na steni je napisano Whistlerjevo jedro "Pristanišče črnega leva". Če zelo pozorno pogledate na zaveso zgoraj levo na jedkarskem okvirju boste videli svetlejši madež, to je simbol metulja, s katerim je Whistler podpisoval svoje slike. Simbol ni bil vedno enak, vendar se je spremenil in njegova oblika se uporablja za datiranje njegovih umetniških del. Znano je, da ga je začel uporabljati do leta 1869.

"Upanje II" - Gustav Klimt

"Kdor hoče vedeti nekaj o meni - kot umetnici, edina opazna stvar - bi moral pozorno pogledati moje slike in na njih poskusiti videti, kaj sem in kaj želim početi." Klimt.

Gustav Klimt je slikal Upam II na platnu leta 1907/8 z uporabo oljnih barv, zlata in platine. Velikost je 110,5 x 110,5 cm (43,5 x 43,5 "). Slika je del zbirke Muzej moderne umetnosti v New Yorku.
Upam II je čudovit primer Klimtova uporaba zlatih lističev na slikah in njegov bogat okrasni slog. Poglejte, kako je naslikal oblačilo, ki ga je nosila glavna figura, kako je to abstraktna oblika, okrašena s krogi, vendar jo še vedno "beremo" kot plašč ali obleko. Kako se na dnu stopi v tri druge obraze.
V svoji ilustrirani biografiji o Klimtu je umetniški kritik Frank Whitford dejal:

Klimt "je uporabil resnično zlato in srebro, da bi še bolj povečal vtis, da slika je dragocen predmet, ne oddaljeno ogledalo, v katerem je mogoče videti naravo, ampak skrbno izdelan predmet. " ²

To je simbolika, ki je še danes veljavna, saj zlato še vedno velja za dragoceno blago.
Klimt je živel na Dunaju v Avstriji in navdih je črpal bolj z vzhoda kot z zahoda, iz "takih virov kot Bizantinska umetnost, mikenske kovine, perzijske preproge in miniature, mozaiki ravenskih cerkva in japonska zasloni. " ³
Vir:
1. Umetniki v kontekstu: Gustav Klimt Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993), zadnja platnica.
2. Prav tam. str82.
3. MoMA poudarki (Muzej moderne umetnosti, New York, 2004), str. 54

Picassov podpis

To je podpis Picasso na svoji sliki iz leta 1903 (iz njegovega modrega obdobja) z naslovom "Pijanec absinta".
Picasso je eksperimentiral z različnimi skrajšanimi različicami svojega imena kot svojega slikarskega podpisa, vključno z zaokrožila začetnice, preden je nastavila na "Pablo Picasso." Danes ga na splošno slišimo kot preprostega "Picasso."

Njegovo polno ime je bilo: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso¹.
​
<sub>Vir:
1. "Vsota destrukcij: Picassove kulture in ustvarjanje kubizma," avtor Natasha Staller. Yale University Press. Stran p209.</sub>

"Absinthe Drinker" - Picasso

To sliko je ustvaril Picasso leta 1903, v njegovem modrem obdobju (času, ko so Picassove slike prevladovale modre tone; ko je bil star dvajset let). V njem nastopa umetnik Angel Fernandez de Soto, ki je bil nad zabavo in pijačo bolj navdušen kot njegova slika¹, in ki si je dvakrat delil studio s Picassom v Barceloni.
Sliko je junija 2010 na dražbi objavila fundacija Andrewa Lloyda Webberja, potem ko je bila v ZDA dosežena izvensodna poravnava, po trditvi potomcev nemško-judovskega bankirja Paula von Mendelssohn-Bartholdyja, da je bila slika pod prisilo v tridesetih letih prejšnjega stoletja med nacističnim režimom leta Nemčija.

<sub>Vir:
1. Dražbena hiša Christie's izjava za javnost, "Christie's ponuja mojstrovino Picasso," 17. marec 2010.</sub>

"Tragedija" - Picasso

Pablo Picasso, Tragedija, 1903. Olje na lesu. Velikost 41 7/16 x 27 3/16 palcev (105,3 x 69 cm). V Narodna galerija umetnosti, Washington.

Iz njegovega modrega obdobja, ko je na njegovih slikah, kot že ime pove, prevladoval blues.

Skica Picassa za njegovo slavno sliko "Guernica"

Med načrtovanjem in delom na svoji ogromni sliki Guernica je Picasso naredil številne skice in študije. Fotografija prikazuje enega njegovih sestava skic, kar samo po sebi ni videti veliko, zbirka črtanih vrstic.

Namesto da bi poskušali razbrati, kaj bi lahko bile različne stvari in kje je na končni sliki, si omislite Picassovo okrajšavo. Preprosto izdelovanje znamk za slike, ki jih je imel v mislih. Osredotočite se na to, kako to uporablja, da se odloči, kam bo postavil elemente na sliki, na interakcijo med njimi.

"Guernica" - Picasso

Ta slavna Picassova slika je ogromna: 3,5 x 7,76 metra visoka 11 in 6 palcev visoka in 25 čevljev 8 palcev široka. Picasso ga je naslikal po naročilu španskega paviljona na svetovnem sejmu leta 1937 v Parizu. Nahaja se v Museo Reina Sofia v Madridu v Španiji.

"Portrait de Mr Minguell" - Picasso

Picasso je to portretno sliko naredil leta 1901, ko je bil star 20 let. Predmet katalonski krojač, gospod Minguell, za katerega verjame, da je Picassa predstavil njegov trgovec z umetninami in prijatelj Pedro Manach¹. Slog prikazuje izobrazbo, ki jo je imel Picasso v tradicionalnem slikarstvu, in kako daleč se je njegov slikarski slog razvijal v karieri. Da je naslikan na papir, je znak, da je bilo to storjeno v času, ko je bil Picasso zlomljen, saj s svojo umetnostjo še ni zaslužil dovolj denarja za slikanje na platno.

Picasso je Minguell-u podaril sliko, a jo pozneje odkupil in jo imel, ko je leta 1973 umrl. Slika je bila postavljena na platno in verjetno tudi obnovljena pod Picassovim vodstvom "nekje pred letom 1969"², ko jo je za Picassa fotografiral za knjigo Christiana Zervosa.

Naslednjič boste v enem izmed tistih argumentacij ob večerji o tem, kako vsi nerealistični slikarji samo slikajo povzetek, kubist, favist, impresionist, izberite svoj slog, ker ne morejo narediti "pravih slik", vprašajte osebo, če so Picassa uvrstili v to kategorijo (večina jih naredi), nato omenite to sliko.

_{Vir:
1 & 2. Razprodaja Bonhams 17802 Podrobnosti o parceli Prodaja impresionista in moderne umetnosti 22. junija 2010 (Dostop 3. junija 2010.)}

"Dora Maar" ali "Tête De Femme" - Picasso

Ko je bila junija 2008 prodana na dražbi, je bila Picassova slika prodana za 7.881.250 funtov (15.509.512 ameriških dolarjev). Dražba je znašala od tri do pet milijonov funtov.

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso

Ta ogromna Picassova slika (skoraj osem kvadratnih metrov) je napovedana kot eno najpomembnejših del moderne umetnosti, ki je kdajkoli nastala, če že ne najpomembnejše, ključna slika pri razvoju moderne umetnosti. Slika prikazuje pet žensk - prostitutk v javnem domu - vendar se veliko razpravlja o tem, kaj vse to pomeni, in o vseh referencah in vplivih v njem.
Umetnostni kritik Jonathan Jones¹ pravi:

"Kar je Picassa navdušilo nad afriškimi maskami (kar se kaže na obrazih na desni) je najbolj očitna stvar: da vas preoblečejo, spremenijo v nekaj drugega - žival, demon, a Bog. Modernizem je umetnost, ki nosi masko. Ne pove, kaj to pomeni; to ni okno, ampak zid. Picasso je svojo temo izbral ravno zato, ker je šlo za kliše: želel je pokazati, da izvirnost v umetnosti ni v pripovedi ali morali, temveč v formalni iznajdbi. Zato je napačno videti Les Demoiselles d'Avignon kot sliko "o" bordelih, prostitutkah ali kolonializmu. "

Vir:
1. Pablo's Punks avtor Jonathan Jones, Skrbnik, 9. januarja 2007.

"Ženska s kitaro" - Georges Braque

Georges Braque, Ženska s kitaro, 1913. Olje in oglje na platnu. 51 1/4 x 28 3/4 palcev (130 x 73 cm). V Musee National d'Art Moderne, Center Georges Pompidou, Pariz.

Rdeči studio - Henri Matisse

Ta slika je v zbirki Muzej moderne umetnosti (Moma) v New Yorku. Prikazuje notranjost Matissejevega slikarskega ateljeja s sploščeno perspektivo ali eno samo slikovno ravnino. Stene njegovega ateljeja pravzaprav niso bile rdeče, ampak bele; za svoje učinke je uporabil rdečo sliko.
V njegovem ateljeju so razstavljena različna njegova umetniška dela in deli studijskega pohištva. Obrisi pohištva v njegovem ateljeju so črte v barvi, ki razkriva barvo spodnje, rumene in modre plasti, ki ni pobarvana na rdeči.

1. "Kotne črte kažejo na globino, modrozelena svetloba okna pa okrepi občutek notranjega prostora, a rdeče prostranost sliko poravna. Matisse ta učinek poveča tako, da na primer izpusti navpično črto kota sobe. "
- MoMA Highlights, objavil Moma, 2004, stran 77.

2. "Vsi elementi... potopijo svoje individualne identitete v dolgotrajno meditacijo o umetnosti in življenju, prostoru, času, dojemanju in naravi same resničnosti... križišče zahodnega slikarstva, kjer je klasična navzven usmerjena pretežno upodobitvena umetnost preteklosti srečala začasni, ponotranjeni in samoreferenčni etos prihodnosti... "
- Hilary Spurling,, stran 81.

Ples - Henri Matisse

Na zgornji fotografiji je Matissejeva končana slika z naslovom Ples, dokončana leta 1910 in zdaj v Državnem muzeju Ermitaž v Sankt Peterburgu v Rusiji. Spodnja fotografija prikazuje kompozicijsko študijo v polni velikosti, ki jo je naredil za sliko, zdaj v MOMA v New Yorku, ZDA. Matisse ga je naslikal po naročilu ruskega zbiratelja umetniških del Sergeja Ščukina.
To je ogromna slika, široka skoraj štiri metre in visoka dva metra in pol (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2"), naslikana pa je s paleto, omejeno na tri barve: rdeča, zelena in modra. Mislim, da je to slika, ki kaže, zakaj ima Matisse tak sloves kot kolorist, še posebej, če primerjate študijo s končno sliko z njenimi žarečimi figurami.
V svoji biografiji Matisse (na strani 30) Hilary Spurling pravi:

"Tisti, ki so videli prvo različico Ples je opisal kot bledo, nežno, celo sanjsko, naslikano v barvah, ki so bile povečane... v drugi različici v močan, raven friz figuric iz vermiliona, ki vibrirajo ob pasovih svetlo zelene in neba. Sodobniki so sliko videli kot pogansko in dionizijsko. "

Upoštevajte sploščeno perspektivo, kako so figure enake velikosti in ne tiste, ki so bolj oddaljene od manjših, kot bi se to zgodilo v perspektivi ali narisu za reprezentativne slike. Kako je črta med modro in zeleno za figurami ukrivljena, odmeva krog figur.

"Površina je bila obarvana do nasičenosti do točke, ko je bila modra, ideja absolutno modre, nedvomno prisotna. Svetlo zelena za zemljo in živahna beljakovina za telesa. S temi tremi barvami sem imel svojo harmonijo svetlobe in tudi čistost tona. "- Matisse

Vir:
"Uvod v razstavo From Russian za učitelje in študente", avtor Greg Harris, Royal Academy of Arts, London, 2008.

Znani slikarji: Willem de Kooning

Slikar Willem de Kooning se je rodil v Rotterdamu na Nizozemskem 24. avgusta 1904 in umrl na Long Islandu v New Yorku 19. marca 1997. De Kooning je bil vajen v komercialno umetniško in dekoracijsko podjetje, ko je bil star 12 let in je osem let obiskoval večerne tečaje na Rotterdamski akademiji za likovno umetnost in tehnike. Leta 1926 je emigriral v ZDA, leta 1936 pa začel polno delati.

De Kooningov slikarski slog je bil abstraktni ekspresionizem. Prvo samostojno razstavo je imel v galeriji Charles Egan v New Yorku leta 1948, delo je bilo v črno-beli emajl barvi. (Začel je uporabljati emajlne barve, ker si ni mogel privoščiti umetniških pigmentov.) Do petdesetih let je bil prepoznan kot eden voditeljev abstraktnega ekspresionizma, čeprav so nekateri puristi tega sloga mislili, da so njegove slike (kot npr njegovo Ženska serije) vključujejo preveč človeške oblike.

Njegove slike vsebujejo veliko plasti, elementi so se prekrivali in skrivali, ko je predelal in predelal sliko. Spremembe so dovoljene. Na svoja platna je veliko risal z ogljem, za začetno sestavo in med slikanjem. Njegova ščetka je gesta, ekspresivna, divja, z občutkom energije za potezami. Končne slike so bile narejene, vendar niso bile.

De Kooningova umetniška produkcija je obsegala skoraj sedem desetletij in je vključevala slike, skulpture, risbe in grafike. Njegove zadnje slike Vir konec osemdesetih let. Njegove najbolj znane slike so Roza angeli (c. 1945), Izkop (1950) in njegov tretji Ženska serija (1950–53), narejena v bolj slikarskem slogu in improvizacijskem pristopu. V štiridesetih letih je sočasno delal v abstraktnem in reprezentacijskem slogu. Njegov preboj je prišel s črno-belimi abstraktnimi kompozicijami 1948–49. Sredi petdesetih let je naslikal urbane abstrakcije, v šestdesetih letih se je vrnil k figuraciji, nato pa v sedemdesetih k velikim gestavnim abstrakcijam. V osemdesetih letih se je De Kooning preusmeril v delo na gladkih površinah, zasteklitev s svetlimi, prozornimi barvami na fragmente gestualnih risb.

Ameriška gotika - Grant Wood

Ameriška gotika je verjetno najbolj znana izmed vseh slik, ki jih je kdajkoli ustvaril ameriški umetnik Grant Wood. Zdaj je na umetniškem inštitutu v Chicagu.

Grant Wood je leta 1930 naslikal "Ameriško gotiko". Prikazuje moškega in njegovo hčerko (ne njegove žene¹), ki stojijo pred njihovo hišo. Grant je v Eldonu v Iowi videl stavbo, ki je navdihnila sliko. Arhitekturni slog je ameriška gotika, kjer je slika dobila naslov. Modela za sliko sta bila Woodova sestra in njun zobozdravnik.². Slika je podpisana blizu spodnjega roba, na moškem kombinezonu, z imenom in letnikom umetnika (Grant Wood 1930).

Kaj pomeni slika? Wood je mislil, da bo to dostojanstveno upodabljanje značaja srednjezahodnih Američanov, ki prikazuje njihovo puritansko etiko. Lahko pa bi ga razumeli kot komentar (satiro) na nestrpnost podeželskega prebivalstva do tujcev. Simbolika na sliki vključuje trdo delo (vile) in domačnost (cvetlični lončki in predpasnik s kolonialnim tiskom). Če pogledate od blizu, boste videli, kako trije roglji vil odmevajo v šivih na moškem kombinezonu in nadaljujejo po črtah na srajci.

^{Vir:
Ameriška gotika, Art Institute of Chicago, pridobljeno 23. marca 2011.}

"Kristus svetega Janeza od Križa" - Salvador Dali

Ta slika avtorja Salvador Dali je v zbirki Umetnostna galerija in muzej Kelvingrove v Glasgowu na Škotskem. Prvič je bila na ogled v galeriji 23. junija 1952. Slika je bila kupljena za 8.200 funtov, kar je veljalo za visoko ceno, čeprav je vključevala avtorske pravice, ki so galeriji omogočile zaslužek za reprodukcijo (in prodajo nešteto razglednic!).
Dali je bilo nenavadno, da je prodal avtorske pravice za sliko, vendar je potreboval denar. (Avtorske pravice ostanejo pri izvajalcu, razen če so podpisane, glej Pogosta vprašanja o avtorskih pravicah izvajalca.)

"Dali je bil očitno v finančnih težavah sprva za 12.000 funtov, a po težkih kupčijah... prodal ga je za skoraj tretjino ceneje in leta 1952 podpisal pismo mestu [Glasgow], s katerim je odstopil avtorske pravice.

Naslov slike je sklic na risbo, ki je navdihnila Dalija. Risba s peresom in črnilom je bila narejena po viziji, ki jo je imel sv. Janez od Križa (španski karmelski brat, 1542–1591), v kateri je videl Kristusovo križanje, kot da bi ga gledal od zgoraj. Sestava je presenetljiva s svojim nenavadnim stališčem o križanju Kristusa, razsvetljava je dramatično močna sencein odlično uporabljena foreshortening na sliki. Pokrajina na dnu slike je pristanišče Dalijevega doma, Port Lligat v Španiji.
Slika je bila v marsičem sporna: znesek, ki je bil zanjo plačan; vsebina; slog (ki se je zdel bolj retro kot sodoben). Več o sliki si preberite na spletni strani galerije.

Vir:
"Nadrealistični primer Dalijevih slik in bitka za umetniško licenco"Severin Carrell, Skrbnik, 27. januarja 2009

Campbellove juhe - Andy Warhol

Podrobnosti o Andyju Warholu Campbellove juhe. Akril na platnu. 32 slik vsaka 20 x 16 "(50,8x40,6 cm). V zbirki Muzej moderne umetnosti (MoMA) v New Yorku.
Warhol je svojo serijo Campbellovih jušnih slik prvič razstavil leta 1962, pri čemer je bilo dno vsake slike naslonjeno na polico, kot bi pločevinka v supermarketu. V seriji je 32 slik, število sort juhe, ki jih je takrat prodala Campbell's.
Če ste si predstavljali, da je Warhol shranil svojo shrambo s pločevinkami juhe, potem jedo konzervo, ko je končal s slikanjem, se zdi, da ne. Po navedbah Momine spletne strani je Warhol s seznamom izdelkov podjetja Campbell dodal različen okus vsaki sliki.
Na vprašanje o tem je Warhol dejal:

"Včasih sem ga pil. Včasih sem imel isto kosilo vsak dan, dvajset let, mislim, vedno znova isto stvar. "¹

Warhol očitno tudi ni imel naročila, v katerem bi želel prikazati slike. Moma prikazuje slike "v vrstah, ki odražajo kronološki vrstni red, v katerem so bile predstavljene [juhe], začenši s" Paradižnikom "zgoraj levo, ki je debitiral leta 1897".

Torej, če barvate serijo in želite, da so prikazane v določenem vrstnem redu, si to kje zapišite. Zadnji rob platna je verjetno najboljši, saj se takrat ne bo ločil od slike (čeprav se lahko skrije, če so slike uokvirjene).
Warhol je umetnik, ki ga slikarji, ki želijo ustvarjati izpeljana dela, pogosto omenjajo. Pred podobnimi stvarmi je vredno omeniti dve stvari:

1. Vklopljeno Momina spletna stran, obstaja navedba licence podjetja Campbell's Soup Co (tj. licenčni sporazum med podjetjem za juhe in umetnikovim posestvom).
2. Zdi se, da je bilo izvrševanje avtorskih pravic v Warholovih dneh manj problematično. Ne izpostavljajte avtorskih pravic na podlagi Warholovega dela. Opravite raziskavo in se odločite, koliko vas skrbi glede morebitnega primera kršitve avtorskih pravic.

Campbell ni naročil Warholu, da bi slikal (čeprav so nato enega naročili za upokojenega predsednika uprave leta 1964) in je imel pomisleke, ko se je blagovna znamka leta 1962 pojavila na Warholovih slikah in sprejela pristop čakanja, da bi presodila, kakšen je bil odziv na slike. Leta 2004, 2006 in 2012 je Campbell prodajal pločevinke s posebnimi spominskimi etiketami Warhol.

<sub>Vir:
1. Kot citirano dne Moma, dostopno 31. avgusta 2012.</sub>

Večja drevesa v bližini Warterja - David Hockney

Na vrh: Umetnik David Hockney stoji ob delu svoje oljne slike "Bigger Trees Near Warter", ki jo je aprila 2008 podaril Tate Britain.
Spodaj: Slika je bila prvič razstavljena na poletni razstavi leta 2007 na Kraljevski akademiji v Londonu in je zavzela celo steno.
Oljna slika Davida Hockneyja "Večja drevesa v bližini Warterja" (imenovana tudi Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) prikazuje prizor blizu Bridlingtona v Yorkshiru. Slika iz 50 platen, razporejenih drug ob drugem. Skupaj je skupna velikost slike 4,6 x 12 metrov 40 x 15 čevljev.
Ko ga je Hockney naslikal, je bil to največji kos, ki ga je kdajkoli dokončal, čeprav ne prvi, ki ga je ustvaril z več platni.

" To sem storil, ker sem se zavedal, da lahko to storim brez lestve. Ko slikate, morate biti sposobni stopiti nazaj. No, obstajajo umetniki, ki so bili ubiti, ko so se umaknili z lestev, kajne?"
- Hockney citirano v Reuter poročilo, 7. april 2008.

Hockney je z risbami in računalnikom pomagal pri kompoziciji in slikanju. Po končanem delu je bila posneta fotografija, da je lahko celotno sliko videl v računalniku.

"Najprej je Hockney skiciral mrežo, ki prikazuje, kako se prizor ujema med več kot 50 ploščami. Potem je začel delati na posameznih ploščah in situ. Ko je delal z njimi, so jih fotografirali in jih naredili v računalniški mozaik, da je lahko začrtal svoj napredek, saj je lahko imel na steni hkrati le šest plošč. "

Vir:
Charlotte Higgins, Skrbnik dopisnik za umetnost, Hockney Tateju podari ogromno dela, 7. aprila 2008.

Vojne slike Henryja Mooreja

The Razstava Henryja Mooreja v galeriji Tate Britain v Londonu trajal od 24. februarja do 8. avgusta 2010.

Britanski umetnik Henry Moore je najbolj znan po svojih skulpturah, znan pa je tudi po črnilu, vosku in akvarelne slike ljudi, ki so se med drugo svetovno vojno skrivali v londonskih podzemnih postajah. Moore je bil uradni vojni umetnik in 2010 Razstava Henryja Mooreja v galeriji Tate Britain ima sobo, namenjeno tem. Narejen med jesenjo 1940 in poletjem 1941, njegove upodobitve spečih figur so se stiskale v vlaku predori ujeli občutek tesnobe, ki je spremenil njegov ugled in vplival na ljudsko dojemanje Blitz. Njegovo delo v petdesetih letih je odražalo posledice vojne in možnosti nadaljnjih spopadov.
Moore se je rodil v Yorkshiru in študiral na umetniški šoli v Leedsu leta 1919, potem ko je služil v prvi svetovni vojni. Leta 1921 je dobil štipendijo za Royal College v Londonu. Kasneje je poučeval na Royal Collegeu in na umetniški šoli Chelsea. Od leta 1940 je Moore živel v Perry Green v Hertfordshireju, kjer je danes dom Fundacija Henryja Mooreja. Na beneškem bienalu 1948 je Moore osvojil mednarodno kiparsko nagrado.

"Frank" - Chuck Close

"Frank" Chucka Closea, 1969. Akril na platnu. Velikost 108 x 84 x 3 palcev (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). V Minneapolis Institute of Art.

Lucian Freud Avtoportret in Foto portret

Umetnik Lucian Freud je znan po svojem intenzivnem, neprizanesljivem pogledu, a kot kaže ta avtoportret, se obrne nase, ne samo na svoje modele.

1. "Mislim, da je odličen portret povezan z... občutek in individualnost ter intenzivnost pogleda in osredotočenost na določeno. " ¹
2. "... poskusiti se moraš slikati kot druga oseba. S samoportreti "podobnost" postane druga stvar. Narediti moram to, kar čutim, ne da bi bil ekspresionist. " ²

<sup>Vir:
1. Lucian Freud, citirano v Freud na delu p32-3. 2. Lucian Freud, citirano v Lucian Freud, William Feaver (Tate Publishing, London 2002), str.</sup>

"Oče Mone Lise" - Man Ray

"Oče Mone Lise" Man Ray, 1967. Reprodukcija risbe, nameščene na vlakneni plošči, z dodano cigaro. Velikost 18 x 13 5/8 x 2 5/8 palcev (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). V zbirki Muzej Hirshorn.
Veliko ljudi Man Raya povezuje le s fotografijo, bil pa je tudi umetnik in slikar. Bil je prijatelj z umetnikom Marcelom Duchampom in sodeloval z njim.
Maja 1999 je Umetniške novice revija Man Ray vključila na seznam 25 najvplivnejših umetnikov 20. stoletja za njegovo fotografijo in "raziskovanje filma, slikarstva, kiparstva, kolaža, montaže. Ti prototipi bi se sčasoma imenovali performans in konceptualna umetnost. "

Art News je dejal:

"Man Ray je umetnikom v vseh medijih ponudil primer ustvarjalne inteligence, ki je v svojem" iskanju užitka in svobode "[Man Ray izjavil, da vodi principi] odklenil vsa vrata, do katerih je prišel, in svobodno hodil, kamor je hotel. "(Vir navedbe: Art News, maj 1999," Namerni provokator ", AD Coleman.)

Ta del, "Oče Mone Lise", prikazuje, kako sorazmerno preprosta ideja je lahko učinkovita. Težji del je najprej zamisliti idejo; včasih pridejo kot utrip navdiha; včasih kot del ideje o idejah; včasih z razvojem in zasledovanjem koncepta ali misli.

Znani slikarji: Yves Klein

Retrospektiva: Razstava Yvesa Kleina v muzeju Hirshhorn v Washingtonu, ZDA, od 20. maja 2010 do 12. septembra 2010.

Umetnik Yves Klein je verjetno najbolj znan po svojih enobarvnih umetniških delih s svojo posebno modro barvo (glej na primer "Živi čopič"). IKB ali International Klein Blue je ultramarinsko modro, ki ga je oblikoval.

Ko se je Klein imenoval "slikar vesolja", si je s čisto barvo prizadeval doseči nematerialno duhovnost "in se ukvarjal s" sodobnimi pojmi o konceptualni naravi umetnosti "¹.

Klein je imel razmeroma kratko kariero, slabih deset let. Njegovo prvo javno delo je bila knjiga umetnika Yves Peintures ("Yves Paintings"), objavljeno leta 1954. Njegova prva javna razstava je bila leta 1955. Umrl je zaradi srčnega napada leta 1962, star 34 let. (Časovnica Kleinovega življenja Iz Arhiv Yvesa Kleina.)

<sub>Vir:
1. Yves Klein: S praznino, polne moči, muzej Hirshhorn, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, dostop do 13. maja 2010.</sub>

"Živi čopič" - Yves Klein

Ta slika francoskega umetnika Yves Klein (1928-1962) je ena izmed serij, ki jih je uporabljal "žive čopiče". Gole ženske modele je pokril s svojo modro barvo (International Klein Blue, IKB) in nato v delu performansa pred občinstvom, ki je z njimi "slikalo" na velike liste papirja z usmerjanjem ustno.
Naslov "ANT154" izhaja iz komentarja umetniškega kritika Pierra Restanyja, ki opisuje slike, ustvarjene kot "antropometrije modrega obdobja." Klein je kratico ANT uporabil kot serijo naslov.

Črna slika - Ad Reinhardt

"V barvi je nekaj narobe, neodgovorno in brez misli; nekaj, kar je nemogoče nadzorovati. Nadzor in racionalnost sta del moje morale. " - Ad Reinhard leta 1960 ¹

Ta enobarvna slika ameriškega umetnika Ad Reinhardta (1913-1967) je v Muzeju moderne umetnosti (Moma) v New Yorku. To je 60x60 "(152,4x152,4cm), olje na platnu, in je bil naslikan 1960-61. V zadnjem desetletju in del svojega življenja (umrl je leta 1967) je Reinhardt na svojih slikah uporabljal samo črno barvo.
Amy Sia, ki je fotografiral, pravi, da uslužbenec opozarja, kako je slika razdeljena na devet kvadratov, od katerih ima vsak drugačen odtenek črne barve.
Ne skrbite, če je na fotografiji ne vidite. Težko je videti, tudi ko si pred sliko. V njej esej o Reinhardtu za Guggenheima Nancy Spector opisuje Reinhardtova platna kot "utišane črne kvadrate, ki vsebujejo komaj zaznavne križne oblike [ki] izpodbijajo meje vidljivosti" ².
<sup>Vir:
1. Barva v umetnosti John Gage, str
2. Reinhardt Nancy Spector, Guggenheimov muzej (dostop 5. avgusta 2013)</sup>

Londonska slika John Virtue

Britanski umetnik John Virtue je od leta 1978 risal abstraktne pokrajine s samo črno-belo. Na DVD-ju, ki ga je izdelala londonska nacionalna galerija, Virtue pravi, da ga črno-belo delo sili, "naj bo iznajdljiv... znova izumiti." Pobegne barva "se poglablja moj občutek, kakšne barve je... Občutek dejansko tega, kar vidim... je najboljši in natančnejši ter bolj primeren, če nimam palete olja barva. Barva bi bila slepa ulica. "
To je ena izmed londonskih slik Johna Virtueja, narejena, ko je bil pridruženi umetnik v Narodni galeriji (od 2003 do 2005). The Spletna stran Narodne galerije opisuje slike Kreposti kot "sorodne orientalskemu slikanju s čopiči in ameriškim abstraktnim ekspresionizmom" in tesno povezane z "veliko angleščino krajinske slikarje, Turner in Constable, ki jih Vrlina izjemno občuduje ", pa tudi vpliv" nizozemske in flamske pokrajine Ruisdael, Koninck in Rubens ".
Krepost njegovim slikam ne daje naslovov, temveč samo številke. V intervjuju v izdaji časopisa iz aprila 2005 Umetniki in ilustratorji Virtue pravi, da je svoje delo začel kronološko šteti že leta 1978, ko je začel delati v enobarvni obliki:

"Ni hierarhije. Ni važno, ali je 28 čevljev ali tri centimetre. To je neverbalni dnevnik mojega obstoja. "

Njegove slike se imenujejo zgolj "Pokrajina št. 45" ali "Pokrajina št. 630" itd.

Umetniški koš - Michael Landy

Razstava Art Bin umetnika Michaela Landyja je potekala v Ljubljani Galerija Južnega Londona od 29. januarja do 14. marca 2010. Koncept je ogromen (600 m³) smetnjak, vgrajen v galerijski prostor, v katerem je umetnost zavržena, "spomenik ustvarjalnemu neuspehu"¹.
Pa ne le katera stara umetnost; morali ste se prijaviti, da svojo umetnost vržete v koš, bodisi na spletu ali v galeriji, pri čemer se je Michael Landy ali eden od njegovih predstavnikov odločil, ali jo lahko vključite ali ne. Če je bila sprejeta, jo je vrgel v koš s stolpa na enem koncu.

Ko sem bil na razstavi, je vrglo več kosov in oseba, ki je vrgla premetavanje veliko vaj, od načina, kako mu je uspelo, da je ena slika zdrsnila naravnost na drugo stran posoda.
Umetniška interpretacija gre po poti, kdaj / zakaj se umetnost šteje za dobro (ali smeti), subjektivnost v vrednost, ki se pripisuje umetnosti, umetniškemu zbiranju, moči umetnikov, ki zbirajo umetnine in galerije, da ustvarjajo ali lomijo umetnika kariere.

Vsekakor je bilo zanimivo hoditi po straneh in gledati, kaj je bilo vrženo, kaj se je zlomilo (veliko kosov polistirena) in kaj ne (večina slik na platnu je bila celih). Nekje na dnu je bil velik odtis lobanje, okrašen s steklom Damiena Hirsta in kosom Tracey Emin. Na koncu bi se lahko recikliralo (na primer nosila za papir in platno), ostalo pa bi bilo namenjeno na odlagališče. Pokopan kot smeti, verjetno ga arheolog ne bo čez stoletja izkopal.

_{Vir:
1&2. # Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), spletno mesto galerije South London, dostopno 13. marca 2010.}

Barack Obama - Shepard Fairey

To sliko ameriškega politika Baracka Obame, kolaž z mešanimi mediji, je ustvaril ulični umetnik s sedežem v Los Angelesu, Shepard Fairey. Bila je osrednja portretna slika, ki je bila uporabljena v Obamovi predsedniški volilni kampanji leta 2008 in je bila distribuirana v omejeni nakladi in brezplačnem prenosu. Zdaj je v Nacionalni galeriji portretov v Washingtonu.

1. "Da bi ustvaril svoj Obamin plakat (kar je storil v manj kot enem tednu), je Fairey z interneta zgrabil fotografijo novic kandidata. Iskal je Obamo, ki je bil videti predsedniško... Nato je umetnik poenostavil črte in geometrijo, pri čemer je uporabil rdečo, belo in modro domoljubno paleto (s katero se igra tako, da bela postane bež, modra pa pastelno). krepke besede ...
2. "Njegovi Obamini plakati (in veliko njegovih komercialnih in likovnih del) so predelave tehnik revolucionarni propagandisti - svetle barve, drzne črke, geometrijska preprostost, junaške pozi. "

Vir: ​
"Obamina potrditev na steni" avtor William Booth, Washington Post 18. maj 2008.

"Requiem, bele vrtnice in metulji" - Damien Hirst

Britanski umetnik Damien Hirst je najbolj znan po svojih živalih, ohranjenih v formaldehidu, vendar se je v zgodnjih 40-ih vrnil v oljno slikarstvo. Oktobra 2009 je v Londonu prvič razstavil slike, ustvarjene med letoma 2006 in 2008. Ta primer še neznane slike znanega umetnika izhaja iz njegove razstava v zbirki Wallace v Londonu z naslovom "No Love Lost." (Datumi: 12. oktober 2009 do 24. januar 2010.)
BBC News je dejal Hirst.

"Zdaj slika samo ročno", da sta bili dve leti njegove "slike neprijetne in nisem hotel kdorkoli vstopi. "in da se je" prvič moral naučiti slikati, odkar je bil najstnik študent. "¹

V sporočilu za javnost, ki je spremljalo razstavo Wallace, piše:

"" Modre slike "pričajo o novi drzni usmeritvi v njegovem delu; serija slik, ki so po umetnikovih besedah ​​"globoko povezane s preteklostjo". "

Nanašanje barve na platno je zagotovo nova smer Hirsta in tam, kjer gre Hirst, bodo verjetno sledili študentje umetnosti. Oljna slika bi lahko spet postala trendovska.
Laura Porter, vodnica podjetja About.com v London Travel, je obiskala predogled razstave Hirsta in dobila odgovor na eno vprašanje, ki sem ga želel vedeti: Katere modre pigmente je uporabljal?

Lauri so rekli, da je "Pruska modra za vse razen ene izmed 25 slik, ki je črna. "Ni čudno, da je tako temna, tleča modra!
Umetnostni kritik Adrian Searle iz Skrbnik pri Hirstovih slikah ni bil zelo naklonjen:

"V najhujšem primeru je Hirstova risba videti samo ljubiteljsko in mladostniško. Njegovemu krtačenju primanjkuje tistega očesa in očitnosti, zaradi katerih verjamete v slikarjeve laži. Ne more ga še nositi. "²

<sub>Vir:
1 Hirst 'se odreče vloženim živalim', BBC News, 1. oktober 2009
2. "Slike Damiena Hirsta so smrtno dolgočasne, "Adrian Searle, Skrbnik, 14. oktobra 2009.</sub>

Znani umetniki: Antony Gormley

Antony Gormley je britanski umetnik, ki je morda najbolj znan po skulpturi Angel s severa, predstavljeni leta 1998. Stoji v Tynesideu na severovzhodu Anglije, na mestu, ki je bilo nekoč premogovnik, in vas pozdravlja s 54 metri širokimi krili.
Julija 2009 je Gormleyjeva instalacijska umetnina na četrtem podstavku na Trafalgar Square v Londonu videla prostovoljca, ki je eno uro stal na podnožju, 24 ur na dan, 100 dni. Za razliko od ostalih cokel na Trafalgarjevem trgu, četrti cokel neposredno pred Narodno galerijo nima stalnega kipa. Nekateri udeleženci so bili tudi umetniki in so skicirali svoje nenavadno stališče (fotografija).
Antony Gormley se je rodil leta 1950 v Londonu. Študiral je na različnih fakultetah v Veliki Britaniji in budizem v Indiji in na Šrilanki, preden se je med leti 1977 in 1979 osredotočil na kiparstvo na umetniški šoli Slade v Londonu. Njegova prva samostojna razstava je bila v umetniški galeriji Whitechapel leta 1981. Leta 1994 je Gormley osvojil Turnerjevo nagrado s svojim "Poljem za Britanske otoke".
Njegova biografija o njegovi Spletna stran pravi:

... Antony Gormley je s korenito preiskavo telesa kot prostora spomina in preobrazbe oživil človeško podobo v kiparstvu, pri čemer je svoje telo uporabil kot subjekt, orodje in material. Od leta 1990 svojo skrb s človeškim stanjem razširja na raziskovanje kolektivnega telesa in odnos med seboj in drugimi v velikih instalacijah ...

Gormley ne ustvarja takšne postave, kot je, ker ne zna delati kipov v tradicionalnem slogu. Namesto tega uživa v razliki in zmožnosti, da jih razlagamo. V intervjuju z Časi¹, rekel je:

"Pri tradicionalnih kipih ne gre za potencial, ampak za nekaj, kar je že popolno. Imajo moralno avtoriteto, ki je bolj zatiralska kot skupna. Moja dela priznavajo njihovo praznino. "

^{Vir:
Antony Gormley, človek, ki je zlomil kalup, John-Paul Flintoff, The Times, 2. marec 2008.}

Znani sodobni britanski slikarji

Od leve proti desni sta umetnika Bob in Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakein Alison Watt.
Povod je bil ogled slike Diana in Actaeon Titian (neviden, levo) v Narodni galeriji v Londonu, z namenom zbiranja sredstev za nakup slike za galerijo.

Znana umetnika: Lee Krasner in Jackson Pollock

Od teh dveh slikarjev, Jackson Pollock je bolj znan kot Lee Krasner, vendar brez njene podpore in promocije njegovih umetniških del morda ne bo imel mesta na umetniški časovnici, ki jo ima. Oba slikana v abstraktnem ekspresionističnem slogu. Krasner se je sama borila za kritiko, namesto da bi jo obravnavali samo kot Pollockovo ženo. Krasner je zapustil zapuščino Fundacija Pollock-Krasner, ki daje donacije vizualnim umetnikom.

Lestev Stafelaj Louis Aston Knight

Louis Aston Knight (1873–1948) je bil v Parizu rojen ameriški umetnik, znan po svojih krajinskih slikah. Sprva je treniral pri svojem očetu umetniku Danielu Ridgwayu Knightu. V francoskem salonu je prvič razstavljal leta 1894 in to nadaljeval vse življenje, hkrati pa je dobil priznanje v Ameriki. Njegova slika Nadpožar je leta 1922 za Belo hišo kupil predsednik ZDA Warren Harding.
Ta fotografija iz Arhiv ameriške umetnostina žalost nam ne da lokacije, vendar morate pomisliti, da se bo vsak umetnik, ki je pripravljen nanj prebiti voda s štafelajnimi lestvami in barvami je bila bodisi zelo posvečena opazovanju narave bodisi povsem showman.

1897: Umetniški razred za ženske

Ta fotografija iz leta 1897 iz Ljubljane Arhiv ameriške umetnosti prikazuje ženski likovni tečaj z inštruktorjem Williamom Merrittom Chaseom. V tisti dobi so moški in ženske ločeno obiskovali umetniške tečaje, kjer so imele ženske zaradi časa srečo, da so se sploh lahko izobrazile.

Umetniška poletna šola c.1900

Študentje umetnosti na poletnih tečajih šole za likovno umetnost St Paul, Mendota, Minnesota, so bili približno leta 1900 fotografirani z učiteljem Burtom Harwoodom.
Moda na stran, veliki sončniki so zelo praktični za slikanje na prostem saj preprečuje sonce iz oči in preprečuje, da bi vaš obraz zagorel (tako kot vrh z dolgimi rokavi).

"Nelsonova ladja v steklenici" - Yinka Shonibar

Včasih velikost umetniškega dela daje dramatičen učinek, veliko več kot predmet. "Nelsonova ladja v steklenički" Yinke Shonibar je tak kos.

"Nelsonova ladja v steklenici" Yinke Shonibar je ladja, visoka 2,35 metra, v še višji steklenici. To je replika vodilnega modela admirala Nelsona, HMS, v merilu 1:29 Zmaga.
"Nelsonova ladja v steklenici" se je pojavila na četrtem podstavku na Trafalgar Square v Londonu 24. maja 2010. Četrti podstavek je bil prazen od leta 1841 do leta 1999, ko je bil prvi iz serije sodobnih umetniških del, ki jih je naročil posebej za podstavek Četrta skupina za zagon podstavka.
Umetniško delo pred "Nelsonovo ladjo v steklenici" je bilo Eno in drugo avtorja Antonyja Gormleyja, v katerem je druga oseba stojala na podnožju eno uro, okoli ure, 100 dni.
Med letoma 2005 in 2007 ste lahko videli skulpturo Marca Quinna, Alison Lapper noseča, od novembra 2007 pa je bil model za hotel 2007 avtorja Thomas Schutte.
Oblike batikov na jadrih "Nelsonove ladje v steklenici" je umetnik ročno natisnil na platno, navdihnjeno s krpo iz Afrike in njeno zgodovino. Steklenica je dimenzij 5x2,8 metra, narejena je iz perspexa in ne iz stekla, odprtina za steklenico pa je dovolj velika, da se lahko povzpnete v notranjost ladje.